Eonnagata: pour la beauté du geste

"Alliance du nom du Chevalier d'Eon, célèbre espoin de Louis XV travesti en femme et de l'Onnagata, qui désigne la qualité de l'acteur jouant un rôle de femme dans le théâtre japonais Kabuki, Eonnagata marque les retrouvailles de Sylvie Guillem et du chorégraphe Russell Maliphant, accompagnés et mis en scène par Robert Lepage" peut-on lire sur le programme de ce spectacle qui fut sans conteste l'un des événements du festival de Fourvière 2009.
Réflexion sur le genre, réflexions des corps androgynes et des lumières qui séparent, fondent ou vacillent.

Voir le programme et des extraits
http://www.nuitsdefourviere.fr/2009/art-prog.php3?id_article=414

Figures
Costumes, accessoires, musiques et mouvements interrogent l’identité sexuée des personnages jusqu’à la confusion. Robert Lepage s’extirpe d’une marionnette monumentale (une Geisha?) qui évoque les pratiques du théâtre japonais; n’incarne-t-il pas à ce moment l’arrachement au féminin constitutif de toute masculinité, arrachement que Monique Schneider analyse dans son ouvrage « Généalogie du masculin »?
Les figures du double, du reflet et de Narcisse sont magnifiquement mises en scène. La coordination parfaite des corps crée le miroir absent de la scène: il n’y a ni copie ni original mais une tension constante entre ce qui est et ce que le spectateur croit voir. Comment mieux mettre à nu la « réalité » même du genre?
Le genre serait donc cette parodie analysée par Judith Butler. Or il y a bien une parodie de duel dans le spectacle, entre la chevalière d’Eon et un gentilhomme fidèle représentant de la fatuité masculine de l’époque. Le duel devient numéro de cirque, les armes sont l’épée contre le cerceau, la verticale masculine et le cercle féminin. Les combattants se croisent, les armes s’échangent, le duel se fait duo, les identités s’affrontent moins qu’elles ne se mêlent.

Coupures
La thématique du combat se décline de toutes les manières. Sylvie Guillem est époustouflante en chevalier d’Eon maniant la plume comme l’épée. Se battre contre les autres, contre soi-même… Malgré les traits d’humour qui ponctuent le spectacle se dégage l’impression d’une lutte cruelle, d’un déchirement perpétuel. Le fleuret est l’attribut du masculin part excellence: de forme phallique, il est aussi l’objet qui perce, coupe, déchire, tranche, fait mâle/mal. Monique Schneider l’a compris, qui étudie au prix de quelles mutilations le masculin paie sa promotion et sa domination.
La coupure primordiale, et peut-être la plus douloureuse, n’est-elle pas celle qui sépara les deux parties de l’androgyne dans les temps primitifs (et dont le mythe est raconté par Sylvie Guillem)?
Le corps coupé, c’est également le corps disséqué, ouvert et examiné par les médecins et chirurgiens. Deux scènes d’examens médicaux encadrent le spectacle, rappelant l’emprise du discours scientifique sur le corps même des individus. Le genre en crise se situe donc du côté de la blessure, de la violence et de la béance.

Plus spécifiquement, la chorégraphie interroge le genre du mouvement et de l’expression corporelle. Existe-t-il des gestes masculins ou féminins? Qu’est-ce qui me permet de dire de telle ou telle gestuelle, de telle ou telle attitude corporelle qu'elle est féminine ou masculine? Le beau geste n’échappe-t-il pas à la catégorisation sexuée? La danse, parce qu’elle met directement le corps en jeu, est certainement un espace stratégique où peuvent s’expérimenter la déconstruction du genre et l’invention de nouvelles formes d’être au monde… Le profane se demandera dans quelle mesure on peut penser une danse androgyne ou dépassant les codes solidement attachés à des corps conçus comme les supports naturels, essentiels et indubitables du genre masculin ou féminin. Rien n’interdit d’essayer, pour la beauté du geste